He elegido para realizar las actividades relacionadas con este cuadro y para que nuestros alumnos lo trabajen, el nivel de 2º de primaria, ya que el dibujo y pintura supone un elemento motivador para alumnos de estas edades. A pesar de ser tan pequeños, se pretende dar una oportunidad a los alumnos/as para que empiecen a valorar las obras pictóricas y los cuadros desde otras perspectivas y que en un futuro sabrán interpretar o por lo menos tener las nociones básicas para comentarlas en algún momento de sus vidas.
Partiremos en todo momento de la exposición del cuadro en clase, ofreciéndole una breve introducción por parte del profesor, para ello se expondrá el cuadro en la pizarra digital para que todos los niños/as puedan verlo con claridad.
- Área de matemáticas.
Lo primero será explicar que es el centímetro y el metro, poniendo ejemplos explicaremos la conveniencia de usar el centímetro o el metro dependiendo del tamaño de los objetos que pretendamos medir. Después, buscaremos en internet las medidas reales del cuadro en centímetro. Con ayuda de un metro, pintaremos en el suelo las sus dimensiones. Posteriormente y en grupos, el alumnado cogerá su regla y medirá los lados del cuadro. Provocaremos un debate sobre la conveniencia de usar el centímetro o el metro.
Por último haremos comparativa sobre objetos reales de diferentes tamaños.
- Área del lenguaje.
Haremos una introducción y lectura de un texto fantástico relacionado con la naturaleza y duendes. Comentaremos entre todos, si encontramos alguna relación de lo que hemos leído y el cuadro.
Después dividiremos la clase en dos grandes grupos. A uno de ellos les pediremos que realicen una descripción del cuadro utilizando el mayor número posible de adjetivos y al otro grupo que lo haga de árboles reales. Posteriormente, leeremos en clase esas descripciones y haremos una comparativa sobre lo real y lo imaginario.
- Área de inglés.
Introduciremos vocabulario nuevo en inglés, relacionándolo con el cuadro. Este vocabulario tendrá relación con aspectos naturales y con nombres de animales salvajes. Por ejemplo: Jarden, flower,…
- Área de conocimiento del medio.
Teniendo como marco de referencia el cuadro se estudiaran las partes de la planta: raíz, tronco, ramas, hojas, flores y frutos.
También haremos referencia a las estaciones del año. Intentaremos hacer un análisis del cuadro para definir en qué estación del año lo podríamos colocar al árbol central e intentaremos explicar en qué detalles nos hemos fijado para colocarlo en una estación del año y no en otra.
- Área de expresión artística.
En el área de música introduciremos a los niños/as en la música clásica. Para ello trabajaremos la música de Vivaldi y su obra “la primavera”. Se pedirá a los alumnos/as que tipos de sentimientos (alegría tristeza) le ha producido al escuchar la música.
En el área de plástica pediremos a los alumnos/as que realicen su propio cuadro relacionado con la primavera y la naturaleza. Para ello, contaran con una lámina, formato A3 y pintura al agua para realizar sus creaciones. Posteriormente se expondrán las creaciones en el pasillo central del colegio para que los demás alumnos lo puedan ver.
- Área de educación física.
Juegos subidos a unas alzas, realizaremos una gimkana con diversos juegos en la que los niños probarán sus destrezas subidos a unas alzas. Esta actividad resulta muy divertida. Por último mediremos la altura de los alumnos/as subidos en las alzas y sin esta subidos en ellas.
domingo, 5 de junio de 2011
sábado, 4 de junio de 2011
analisis del cuadro
1. introducción
Escogí a este autor porque pienso que puede ser un pintor que a los niños le puede gustar. Por esta razón, y debido a que tenía muy claro que quería llevar a la práctica la parte pedagógica, lleve este cuadro a mis alumnos de segundo de primaria ( la parte pedagógica la he desarrollado para alumnos/as de esta edad). Ellos ya conocen otros pintores: Picasso, Murillo, Bangkok,…Cuando les puse en la pantalla digital este cuadro les gusto mucho, les llamo mucho la atención las ramas y las figuras tan grandes a los lados, por esta razón pensé que sería una buena opción.
Por medio de sus pinturas Gustav Klimt plasma todo lo que siente en ese momento, tanto su dolor, su pena, su rabia, sus deseos y también como no su alegría. Antes de describir el cuadro vamos a hacer un breve recorrido por la vida de este gran pintor.
Gustav Klimt fue el más famoso de los artistas austriacos de su tiempo. Pero pese a eso, los aspectos personales de su biografía son todavía hoy un misterio apenas desvelado. Sólo es posible revisar los hechos de su trayectoria pública; algo a todas luces es insuficiente para esclarecer las complejidades de una obra refinada y hermética, cuyo elaborado simbolismo se atiene a menudo a claves íntimas.Nació en Baumgarten, cerca de Viena, en el seno de una familia de tradición artesana que, en parte, reflejaba la pluralidad nacional del Imperio austrohúngaro. Su madre era vienesa, y su padre, Ernst Klimt, orfebre de origen bohemio que orientó a sus tres hijos varones del matrimonio nacieron también cuatro hijas- hacia su mismo camino profesional.De esta forma, Gustav Klimt, el mayor de los varones, ingresa en 1876 en la Escuela de Artes Aplicadas del Museo Imperial de Arte e Industria de Viena, institución fundada pocos años antes con el fin de mejorar la situación de las artes industriales en el Imperio. Allí se hará con una sólida formación técnica y teórica y, al terminar sus estudios en 1883, constituye con su hermano Ernst y su compañero Franz Matsch la “Compañía de artistas”.
La Administración imperial estaba empeñada en la promoción de las artes decorativas, y el proyecto monumental de la Ringstarre –una avenida circular en torno al casco histórico de Viena donde se localizarían los principales edificios institucionales y culturales del Imperio-, entonces en plena realización, proporcionaba una inmejorable oportunidad a artistas, arquitectos y artesanos. Después de foguearse en algunos encargos lejos de la capital –como la decoración del Teatro Municipal del Fiume, en Croacia, entre 1883 y 1885-, los tres socios decoran la escalinata del Burgtheater entre 1886 y 1888 y, tres años después, su éxito les vale el encargo de las pinturas decorativas para las enjutas e intercolumnios de la escalera del Museo de Historia del Arte, otro de los grandes edificios de la Ringstrasse. En 1888, por otra parte, Klimt había pintado para el concejo vienés una vista interior del viejo Burgtheater que le valió en 1890 el Premio del Emperador. Con menos de treinta años, Klimt era ya uno de los artistas más prestigiosos de Viena.La muerte de Ernst en 1892 pone fin a la “Compañía de artistas”, pero la reputación de Klimt alcanza su cima apenas dos años después, con el encargo de tres paneles sobre la Filosofía, la Medicina y la Jurisprudencia para el techo del Aula Magna de la Universidad, también en el Ringstrasse vienesa. A partir de entonces, el idilio de Klimt con la Aministración imperial empieza a enturbiarse. Así, en 1897, el pintor encabeza la fundación de la Secesión, un grupo de artistas y arquitectos vieneses que se separa de la Asociación de Artistas con la declarada voluntad de afirmar la modernidad artística y poner la escena vienesa en contacto con las nuevas tendencias europeas.En 1905, Klimt y otros artistas próximos a él abandonan la Secesión, aunque mantienen los mismos ideales, expresados en la gran exposición de la Kunstschau de 1908.Klimt no se casó, aunque tuvo varios hijos naturales, de los que reconoció al menos tres.La obra de Gustav Klimt reúne: la singularidad, la impresión de que en ella se encierran claves íntimas; pero, al mismo tiempo, es una síntesis casi exhaustiva de las inquietudes, tendencias y lenguajes de la convulsa escena artística moderna europea de los años del cambio de siglo. Klimt alentó la modernización y la apertura del arte austriaco a las tendencias europeas; en él confluyen la influencia del Jugendstil alemán de Munich, el Modern Style escocés de Mackintosh y la lección de impresionistas y posimpresionistas franceses con la herencia simbolista del romanticismo alemán y nórdico.El objetivo de Klimt era un arte idealista y autorreferencial, liberado de hipotecas y compromisos más allá de sus exigencias intrínsecas.
Salvo contadas excepciones, consagró sólo a mujeres su celebrada faceta de retratista y sus personajes alegóricos encuentran una traducción femenina. El significado de lo femenino en Klimt siempre ha sido un asunto controvertido para la crítica. La mujer es el catalizador mítico del simbolismo de Klimt, imagen de la vida y de la muerte; amenaza y promesa a un tiempo.
En el periodo que Klimt estuvo pintando esta obra se encuentra en unos de los momentos más importante de su vida profesional. En 1904 comienza los dibujos para la decoración del Palacio Stoclet de Bruselas, que finalizó en 1909. En 1908 se encuentra en lo más alto de su carrera, con algunas de sus pinturas más famosas como El beso, Dánae y Judith II. El estilo de Klimt y el que utiliza en este cuadro es el simbolismo, es muy difícil definir el simbolismo de una forma general. Klimt aparte de ser pintor también fue decorador, y el árbol de la vida fue una de sus últimos trabajos decorativos. El árbol de la vida es una parte de la decoración que Klimt hizo para el palacio de Bruselas.
2. Tratamiento.
-Título: El árbol de la vida.
-Autor: Gustav Klimt.
Fecha: 1905-09
-Localización: Österreischisches Museum für Angewandte Kunst.
Los materiales que ha utilizado el autor es un lienzo de forma rectangular, siendo sus dimensiones de 195x 102cm.
La técnica que ha utilizado el autor es pintura al temple. la pintura al temple se puede realizar con el agua, algún tipo de grasa de animal u otra materia orgánica.
En este cuadro predominan las formas geométricas, sobre todo en el vestido de la mujer que esta en la parte izquierda del cuadro y en el manto que tapa a la persona que esta abrazada con la mujer de la derecha del cuadro. También hay formas geométricas en el suelo del cuadro y en el tronco del árbol. Las otras formas que predominan en el cuadro son las formas circulares que están en las ramas del árbol.
Respecto a las líneas éstas se observan claramente, pues delimitan las figuras de los extremos.
3. El color.
La mayoría de colores que usa Klimt en esta obra son colores de tono naranja. También utiliza colores neutros como el marrón. La mujer que está a la izquierda, en su vestido predominan colores como el naranja, el amarillo y también pero en menos cantidad el azul, el negro y el verde. En la mujer que está abrazada con otra persona, predominan colores como el marrón, el negro, el verde, el naranja y el blanco. En el árbol y el suelo, que parece como si fuera la tierra, predominan colores el color marrón, el negro, el verde y el naranja. También hay color negro y blanco en el pájaro que está en la rama del árbol, como ya he dicho antes.
La luminosidad del cuadro varía porque hay más luminosidad en el centro del árbol, mientras que los otros elementos de cuadro están menos iluminados.
4. Formas de expresión.
Esta pintura es una pintura simbólica, del estilo de Klimt. El tema de este cuadro es el árbol de la vida, también se puede llamar el árbol de la sabiduría. El tema que trata Klimt en esta obra es uno de sus temas claves en muchas de sus obras, que es la vida y la muerte. El árbol de la sabiduría es un símbolo de la Edad de Oro, porque recoge todos los temas que tenían importancia para Klimt, como la mujer o el amor. Destaca que la muerte es representada con el pájaro negro. También hay que destacar el abrazo de las dos personas de la derecha y la mujer de la izquierda como los está mirando.
5. El espacio.
En esta obra hay tres elementos. En la parte izquierda del cuadro hay una mujer de perfil, con el pelo negro, en el pelo lleva como una diadema de color oro. En frente de esta mujer, es decir en la parte derecha hay otra mujer, parece que está abrazada con otras personas, pero la otra personas y el cuerpo de ella están tapados con una especie de manto.
En el centro del cuadro hay un árbol de color marrón, las ramas de ese árbol están esparcidas por todo el cuadro, estas están acabadas en forma circular. También hay otros elementos, aunque menos importantes que están en las ramas del árbol, como por ejemplos platos, y también hay unos elementos con forma de setas que tienen la función de decorar. Otro elemento muy curioso, hay un pájaro de color blanco y negro que está apoyado sobre una rama del árbol.
Klimt creó este espectacular friso para el industrial belga Adolphe Stoclet, que encargó la decoración de su palacio a Hoffman y Klimt. Los mosaicos fueron elaborados en los Talleres de Viena.
6. Luz y sombra.
Lo más destacable la luz que hay detrás del árbol central del cuadro. Las figuras intentan alejarse del sol pero los rayos penetran a través del follaje del árbol, creando interesantes efectos de luz y sombra dándole un gran protagonismo al árbol. La luz refuerza la intensidad de los colores mientras que la sombra se convierte en tonos malvas - recurso muy habitual en el Impresionismo - diseminada a través de las figuras y del escenario.
La luz de las figuras laterales, es escasa, principalmente la parte inferior. De esta forma adquiere el mayor protagonismo el árbol, símbolo de la vida.
7. Composición.
Los tres elementos que destacan en el cuadro son la mujer que está sola a la izquierda, el árbol que representa el árbol de la sabiduría de la vida y la mujer que está abrazada con otra persona, esto puede representar a una pareja de enamorados. En este cuadro puede haber un poco de simetría porque si divides el cuadro por la mitad, en el centro del árbol, las dos partes que quedan tienen sentido, porque cada elemento del cuadro queda en una parte del cuadro.
Escogí a este autor porque pienso que puede ser un pintor que a los niños le puede gustar. Por esta razón, y debido a que tenía muy claro que quería llevar a la práctica la parte pedagógica, lleve este cuadro a mis alumnos de segundo de primaria ( la parte pedagógica la he desarrollado para alumnos/as de esta edad). Ellos ya conocen otros pintores: Picasso, Murillo, Bangkok,…Cuando les puse en la pantalla digital este cuadro les gusto mucho, les llamo mucho la atención las ramas y las figuras tan grandes a los lados, por esta razón pensé que sería una buena opción.
Por medio de sus pinturas Gustav Klimt plasma todo lo que siente en ese momento, tanto su dolor, su pena, su rabia, sus deseos y también como no su alegría. Antes de describir el cuadro vamos a hacer un breve recorrido por la vida de este gran pintor.
Gustav Klimt fue el más famoso de los artistas austriacos de su tiempo. Pero pese a eso, los aspectos personales de su biografía son todavía hoy un misterio apenas desvelado. Sólo es posible revisar los hechos de su trayectoria pública; algo a todas luces es insuficiente para esclarecer las complejidades de una obra refinada y hermética, cuyo elaborado simbolismo se atiene a menudo a claves íntimas.Nació en Baumgarten, cerca de Viena, en el seno de una familia de tradición artesana que, en parte, reflejaba la pluralidad nacional del Imperio austrohúngaro. Su madre era vienesa, y su padre, Ernst Klimt, orfebre de origen bohemio que orientó a sus tres hijos varones del matrimonio nacieron también cuatro hijas- hacia su mismo camino profesional.De esta forma, Gustav Klimt, el mayor de los varones, ingresa en 1876 en la Escuela de Artes Aplicadas del Museo Imperial de Arte e Industria de Viena, institución fundada pocos años antes con el fin de mejorar la situación de las artes industriales en el Imperio. Allí se hará con una sólida formación técnica y teórica y, al terminar sus estudios en 1883, constituye con su hermano Ernst y su compañero Franz Matsch la “Compañía de artistas”.
La Administración imperial estaba empeñada en la promoción de las artes decorativas, y el proyecto monumental de la Ringstarre –una avenida circular en torno al casco histórico de Viena donde se localizarían los principales edificios institucionales y culturales del Imperio-, entonces en plena realización, proporcionaba una inmejorable oportunidad a artistas, arquitectos y artesanos. Después de foguearse en algunos encargos lejos de la capital –como la decoración del Teatro Municipal del Fiume, en Croacia, entre 1883 y 1885-, los tres socios decoran la escalinata del Burgtheater entre 1886 y 1888 y, tres años después, su éxito les vale el encargo de las pinturas decorativas para las enjutas e intercolumnios de la escalera del Museo de Historia del Arte, otro de los grandes edificios de la Ringstrasse. En 1888, por otra parte, Klimt había pintado para el concejo vienés una vista interior del viejo Burgtheater que le valió en 1890 el Premio del Emperador. Con menos de treinta años, Klimt era ya uno de los artistas más prestigiosos de Viena.La muerte de Ernst en 1892 pone fin a la “Compañía de artistas”, pero la reputación de Klimt alcanza su cima apenas dos años después, con el encargo de tres paneles sobre la Filosofía, la Medicina y la Jurisprudencia para el techo del Aula Magna de la Universidad, también en el Ringstrasse vienesa. A partir de entonces, el idilio de Klimt con la Aministración imperial empieza a enturbiarse. Así, en 1897, el pintor encabeza la fundación de la Secesión, un grupo de artistas y arquitectos vieneses que se separa de la Asociación de Artistas con la declarada voluntad de afirmar la modernidad artística y poner la escena vienesa en contacto con las nuevas tendencias europeas.En 1905, Klimt y otros artistas próximos a él abandonan la Secesión, aunque mantienen los mismos ideales, expresados en la gran exposición de la Kunstschau de 1908.Klimt no se casó, aunque tuvo varios hijos naturales, de los que reconoció al menos tres.La obra de Gustav Klimt reúne: la singularidad, la impresión de que en ella se encierran claves íntimas; pero, al mismo tiempo, es una síntesis casi exhaustiva de las inquietudes, tendencias y lenguajes de la convulsa escena artística moderna europea de los años del cambio de siglo. Klimt alentó la modernización y la apertura del arte austriaco a las tendencias europeas; en él confluyen la influencia del Jugendstil alemán de Munich, el Modern Style escocés de Mackintosh y la lección de impresionistas y posimpresionistas franceses con la herencia simbolista del romanticismo alemán y nórdico.El objetivo de Klimt era un arte idealista y autorreferencial, liberado de hipotecas y compromisos más allá de sus exigencias intrínsecas.
Salvo contadas excepciones, consagró sólo a mujeres su celebrada faceta de retratista y sus personajes alegóricos encuentran una traducción femenina. El significado de lo femenino en Klimt siempre ha sido un asunto controvertido para la crítica. La mujer es el catalizador mítico del simbolismo de Klimt, imagen de la vida y de la muerte; amenaza y promesa a un tiempo.
En el periodo que Klimt estuvo pintando esta obra se encuentra en unos de los momentos más importante de su vida profesional. En 1904 comienza los dibujos para la decoración del Palacio Stoclet de Bruselas, que finalizó en 1909. En 1908 se encuentra en lo más alto de su carrera, con algunas de sus pinturas más famosas como El beso, Dánae y Judith II. El estilo de Klimt y el que utiliza en este cuadro es el simbolismo, es muy difícil definir el simbolismo de una forma general. Klimt aparte de ser pintor también fue decorador, y el árbol de la vida fue una de sus últimos trabajos decorativos. El árbol de la vida es una parte de la decoración que Klimt hizo para el palacio de Bruselas.
2. Tratamiento.
-Título: El árbol de la vida.
-Autor: Gustav Klimt.
Fecha: 1905-09
-Localización: Österreischisches Museum für Angewandte Kunst.
Los materiales que ha utilizado el autor es un lienzo de forma rectangular, siendo sus dimensiones de 195x 102cm.
La técnica que ha utilizado el autor es pintura al temple. la pintura al temple se puede realizar con el agua, algún tipo de grasa de animal u otra materia orgánica.
En este cuadro predominan las formas geométricas, sobre todo en el vestido de la mujer que esta en la parte izquierda del cuadro y en el manto que tapa a la persona que esta abrazada con la mujer de la derecha del cuadro. También hay formas geométricas en el suelo del cuadro y en el tronco del árbol. Las otras formas que predominan en el cuadro son las formas circulares que están en las ramas del árbol.
Respecto a las líneas éstas se observan claramente, pues delimitan las figuras de los extremos.
3. El color.
La mayoría de colores que usa Klimt en esta obra son colores de tono naranja. También utiliza colores neutros como el marrón. La mujer que está a la izquierda, en su vestido predominan colores como el naranja, el amarillo y también pero en menos cantidad el azul, el negro y el verde. En la mujer que está abrazada con otra persona, predominan colores como el marrón, el negro, el verde, el naranja y el blanco. En el árbol y el suelo, que parece como si fuera la tierra, predominan colores el color marrón, el negro, el verde y el naranja. También hay color negro y blanco en el pájaro que está en la rama del árbol, como ya he dicho antes.
La luminosidad del cuadro varía porque hay más luminosidad en el centro del árbol, mientras que los otros elementos de cuadro están menos iluminados.
4. Formas de expresión.
Esta pintura es una pintura simbólica, del estilo de Klimt. El tema de este cuadro es el árbol de la vida, también se puede llamar el árbol de la sabiduría. El tema que trata Klimt en esta obra es uno de sus temas claves en muchas de sus obras, que es la vida y la muerte. El árbol de la sabiduría es un símbolo de la Edad de Oro, porque recoge todos los temas que tenían importancia para Klimt, como la mujer o el amor. Destaca que la muerte es representada con el pájaro negro. También hay que destacar el abrazo de las dos personas de la derecha y la mujer de la izquierda como los está mirando.
5. El espacio.
En esta obra hay tres elementos. En la parte izquierda del cuadro hay una mujer de perfil, con el pelo negro, en el pelo lleva como una diadema de color oro. En frente de esta mujer, es decir en la parte derecha hay otra mujer, parece que está abrazada con otras personas, pero la otra personas y el cuerpo de ella están tapados con una especie de manto.
En el centro del cuadro hay un árbol de color marrón, las ramas de ese árbol están esparcidas por todo el cuadro, estas están acabadas en forma circular. También hay otros elementos, aunque menos importantes que están en las ramas del árbol, como por ejemplos platos, y también hay unos elementos con forma de setas que tienen la función de decorar. Otro elemento muy curioso, hay un pájaro de color blanco y negro que está apoyado sobre una rama del árbol.
Klimt creó este espectacular friso para el industrial belga Adolphe Stoclet, que encargó la decoración de su palacio a Hoffman y Klimt. Los mosaicos fueron elaborados en los Talleres de Viena.
6. Luz y sombra.
Lo más destacable la luz que hay detrás del árbol central del cuadro. Las figuras intentan alejarse del sol pero los rayos penetran a través del follaje del árbol, creando interesantes efectos de luz y sombra dándole un gran protagonismo al árbol. La luz refuerza la intensidad de los colores mientras que la sombra se convierte en tonos malvas - recurso muy habitual en el Impresionismo - diseminada a través de las figuras y del escenario.
La luz de las figuras laterales, es escasa, principalmente la parte inferior. De esta forma adquiere el mayor protagonismo el árbol, símbolo de la vida.
7. Composición.
Los tres elementos que destacan en el cuadro son la mujer que está sola a la izquierda, el árbol que representa el árbol de la sabiduría de la vida y la mujer que está abrazada con otra persona, esto puede representar a una pareja de enamorados. En este cuadro puede haber un poco de simetría porque si divides el cuadro por la mitad, en el centro del árbol, las dos partes que quedan tienen sentido, porque cada elemento del cuadro queda en una parte del cuadro.
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